Marlon Brando fue un increíble y controvertido actor estadounidense. Brando nació en Omaha, 3 de abril de 1924. A lo largo de su carrera, recibió múltiples reconocimientos por sus logros actorales, entre ellos dos premios Óscar, dos Globo de Oro y tres BAFTA. Fue el más relevante discípulo del Actors Studio, donde estudió el método Strasberg.
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Se convirtió en actor de teatro a mediados de los años 1940 y en actor de cine a comienzos de los años 1950. Se hizo conocido por sus intervenciones en películas como Un tranvía llamado deseo, Viva Zapata!, Julio César y On the Waterfront, entre otras. Recibió su primer premio Óscar por Mejor actor por su trabajo en On the Waterfront en 1954. En 1972 ganó su segundo galardón Óscar, por su actuación en El Padrino pero lo rechazó. Posteriormente sus intervenciones en el cine comenzaron a ser más esporádicas. Su última película fue The Score, de 2001.
En el año 1990 vivió una de sus más grandes tragedias personales. El novio de una de sus hijas fue asesinado en la residencia familiar de Mulholland Drive. La situación se convirtió en un circo mediático cuando a Christian (su hijo primogénito nacido de su primer matrimonio), el mayor de los hijos de Brando, se le acusó de ser el autor material del homicidio. El episodio marcó profundamente a su entorno familiar: Christian fue obligado a cumplir seis años de prisión y Cheyenne se suicidó cinco años más tarde.
Falleció el 1 de julio de 2004 en Los Ángeles, a los 80 años producto de una fibrosis pulmonar.
Para recordar este gran actor te presentamos 5 de sus mejores películas.
Un tranvía llamado Deseo (1951)
Dirigida por Elia Kazan y basada íntegramente en la obra de teatro de Tennessee Williams. Está protagonizada por Vivien Leigh (Blanche DuBois) y Marlon Brando en los papeles principales.
La película obtuvo 12 candidaturas a los Premios Óscar —entre ellas las de Mejor Película y Mejor Director—, ganando cuatro de ellos: Mejor actriz (Vivien Leigh), Mejor actor de reparto (Karl Malden), Mejor actriz de reparto (Kim Hunter) y Mejor Dirección Artística en Blanco y Negro.
La película cuenta la historia de Blanche, una mujer madura y anclada en el pasado, que visita a su hermana Stella y a su marido Stanley, un joven rústico y violento, que vive en Nueva Orleans y que tiene ascendencia polaca. Blanche decide quedarse durante un período indefinido viviendo con su hermana. Es en este momento cuando ella (Blanche) le cuenta sobre la pérdida de una antigua propiedad de la familia llamada Belle Reeve. Esto levanta sospechas en el marido de Stella quien decide investigar más acerca de Blanche; quien averigua sobre el pasado escabroso de Blanche. Esto creará conflictos en la joven pareja, especialmente entre Blanche y Stanley (marido de Stella) y ella poco a poco dejará mostrar su estado mental y físico no saludable.
On the Waterfront (1954)
Conocida en español como Nido de ratas o La ley del silencio, es un drama estadounidense dirigido por Elia Kazan y escrito por Budd Schulberg. Protagonizada por Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb y Rod Steiger en los papeles principales.
Considerada una de sus mejores obras de Elia Kazan e incluida con frecuencia entre las mejores películas del cine estadounidense. Preservada en el archivo de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.
La vida de los estibadores de los muelles neoyorquinos es controlada por un mafioso llamado Johnny Friendly. Terry Malloy es un ex-boxeador que trabaja para él y ha sido testigo y autor indirecto de alguna de sus fechorías. Cuando conoce a Edie Doyle, hermana de una víctima de Friendly, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie, quien le anima para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe…
Esta película hizo a Brando merecedor de su primer Oscar como mejor actor.
The Godfather (1972)
The Godfather, conocida en español como El padrino, es una película estadounidense de 1972 dirigida por Francis Ford Coppola, basada en la novela del mismo nombre de Mario Puzo, quien ayudó a Coppola a adaptarlo a la pantalla grande.
Ésta narra la vida de Don Vito Corleone, jefe de una de las cinco familias que ejercen el mando de la Cosa Nostra en la ciudad de Nueva York en los años 40, representa la experiencia de los inmigrantes (en su caso italianos) a los Estados Unidos y al mismo tiempo expone las contradicciones del «sueño americano».
La película contó con un reparto encabezado por Marlon Brando, quien interpreta a Don Vito; Al Pacino, James Caan y John Cazale en el papel de los hijos de Don Vito: Michael, Sonny y Fredo, respectivamente; Robert Duvall, como Tom Hagen, el hijo adoptivo de Corleone y abogado de la familia; y Diane Keaton, como Kay Adams, la novia de Michael.
El Padrino fue estrenada el 15 de marzo de 1972, ganando en primer fin de semana $302 393 dólares y terminando por recaudar $134 966 411 solo en Estados Unidos y más de $110 100 000 a nivel internacional, sumando más de $245 066 411 en ganancias, muy considerable teniendo en cuenta que su presupuesto fue de $6 000 000 de dólares.
Es una de las producciones más aclamadas y apreciadas de la cinematografía estadounidense y mundial, siendo considerada uno de los mejores filmes de todos los tiempos y la mejor película de Francis Ford Coppola.
En 1973 se hizo acreedora a tres premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas estadounidenses por Mejor Actor para Marlon Brando, Mejor Película y Mejor Guión Adaptado para Mario Puzo y Francis Ford Coppola. Esta fue la primera parte de una trilogía completada a la postre por El Padrino II en 1974 y concluida con El Padrino III en 1990.
Marlon Brando como Don Vito Corleone, Brando no era del agrado de la productora Paramount, de hecho el papel le fue propuesto anteriormente a Laurence Olivier, debido a su excéntrico comportamiento y a las bajas taquillas que registraba en sus últimas producciones, y ante la negativa de Puzo y Coppola de alejarlo de la cinta, Paramount le impuso al director que le hiciera firmar un contrato con severos lineamientos, entre los que se encontraban realizar una audición como los demás actores. Brando la realizó e hizo su audición con las mandíbulas llenas de algodón para alterar el rostro y la voz y lograr el personaje de Corleone, los productores quedaron impresionados.
Por esa interpretación Brando consiguió su segundo Óscar. En esta ocasión Brando rechazó el Óscar, la segunda vez en la historia de Hollywood que un actor hacía esto (la primera vez la había rechazado el actor George C. Scott). En lugar de recoger el premio, Brando envió a la ceremonia a una actriz estadounidense de origen indio, que se manifestó en contra del tratamiento que recibía su pueblo en las películas de Hollywood y por los acontecimientos que ocurrían por aquel entonces en Wounded Knee.
El Último Tango en París (1972)
El último tango en París es una película franco-italiana de 1972, dirigida por Bernardo Bertolucci. Protagonizada por Marlon Brando, Maria Schneider y Jean-Pierre Léaud en los papeles principales.
Una mañana de invierno, Paul (Marlon Brando), un hombre de 45 años, que recién ha enviudado, y Jeanne, una muchacha de 20 años (Maria Schneider), actriz amateur, se encuentran casualmente mientras visitan un departamento de alquiler que ambos desean rentar, en París. La atracción entre ellos es muy fuerte, y mediando tan sólo unas cuantas palabras, hacen el amor apasionadamente en el piso vacío.
Cuando abandonan el edificio, establecen el pacto de volver a encontrarse allí, en soledad, sin preguntarse sus nombres. Paul consigue alquilar el departamento, donde comienzan a tener furtivos encuentros, relación que se caracterizará por una fuerte violencia verbal y sexual ejercida por él hacia Jeanne, en un afán de dominar también su mente. Ella, prometida para casarse con otro, -un joven director de cine (Jean Pierre Léaud) que la convoca a la filmación de una película por las calles de París-, parece no darse cuenta de la violencia de que es objeto.
La película se caracterizó por su fuerte erotismo, pasando a la historia del cine una escena particular en la que el personaje masculino sodomiza a la mujer, valiéndose de un poco de mantequilla a modo de lubricante. Estas escenas, y en general el tratamiento de la temática erótica desde una óptica inusual (numerosas escenas de desnudos frontales de la mujer), causarían un gran impacto en la sociedad de la época.
Sin embargo, a pesar de ser ampliamente recordada por estos detalles, suele destacarse la interpretación de un Brando ya maduro, y la calidad del trabajo fotográfico del filme (Vittorio Storaro), que contribuye en buena medida a otorgar un contrapunto de lirismo a una cruda trama argumental.
La música del filme, compuesta por el músico argentino Gato Barbieri lo lanzó a la popularidad, y quedó como un sello característico de la película.
Apocalipsis Now (1979)
Apocalipsis Now es una película bélica dirigida por Francis Ford Coppola en 1979 con un guión basado en el El corazón de las tinieblas (Heart of Darkness), una novela de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del siglo XIX, aunque trasladando la acción a la invasión estadounidense de Vietnam.
Ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor director, a la mejor película, al mejor actor de reparto (Robert Duvall), al mejor guión adaptado, a la mejor dirección artística y al mejor montaje. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de ese año.
El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos. A medida que se adentra en la jungla en su viaje por el río, Willard se ve afectado fuertemente por los poderes de la naturaleza, por diversos conflictos bélicos, y por las infecciones y enfermedades. Sus compañeros se encuentran bajo el efecto de las drogas o sus propios miedos. Poco a poco Willard se convierte en un hombre similar a aquel que tiene que matar.
A lo largo de la historia tanto los escenarios como la acción se van volviendo cada vez menos realistas, y adquieren una complicada simbología con referencias a la obra de T. S. Eliot y a mitos referidos en La rama dorada, de James George Frazer.
Tiene momentos memorables dentro de la historia del cine, como el inicio, en el que la imagen del capitán Willard, tendido sobre la cama y mirando el ventilador de techo, se une a la de los helicópteros sobrevolando la selva y bombardeándola con napalm, mientras la canción de The Doors, «The End», sirve como nexo de unión y da significado a las imágenes. Memorable es también la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería (Aerotransportada) bombardean el poblado vietnamita, todo ello ambientado con la música de Wagner, la «Cabalgata de las valquirias», tal cual hacían los audiovisuales de la Luftwaffe, para instrucción de los cadetes.
Destaca también la escena en que Willard es llevado ante Kurtz para ser interrogado, donde se produce una combinación de luz y sombras que ocultan parcialmente el rostro del coronel, simbolizando el lado bueno y el lado oscuro del corazón humano. De hecho la película trata en su trasfondo sobre los procesos mentales y morales que se producen en personas sometidas a condiciones adversas, y como estas condiciones afectan de manera diferente a cada uno de los personajes que aparecen, en función de su personalidad, sus actos y su conciencia.
Marlon Brando cuando llegó al set de filmación exigió que no quería en el set de filmación a Dennis Hopper, por lo que en la escena cuando Brando le tira fruta a Hopper fue filmada en dos días distintos, el primer día Brando arrojando la fruta y diciéndole a Hopper que se callara y el segundo día le explicaban a Hopper qué había pasado el día anterior y que simulara que le arrojaban fruta ya que Marlon había hecho eso el día anterior.
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Autor:
Daniela - culturizando.com
